京绣
历史源流
"京绣"，又名"宫廷绣"或"宫绣"，其历史可追溯到唐代。《契丹国志》中记载，当时的燕京"锦绣组绮、精绝天下"，而"宫廷绣"就是因辽在燕京设立绣院而诞生的，主要是为供奉宫廷、帝王、侯爵服饰之用。明代以后，"宫廷绣"的针法、技艺、用工、用料、纹样图式等特点更加鲜明，刺绣人员日趋扩大。到了清代"宫廷绣"更为兴旺，特别是光绪年间更是名扬海内外，被誉为"宫绣"。在清代，由于"宫绣"艺术的影响不断扩大，京城民间亦纷纷效仿。清末期北京涌现了许多家"绣坊"，传承了"宫廷绣"的一些特点和针法，使得图案内容更加民俗化、与生活更加贴近，后人皆称为"京绣"，并列为清代四小名绣之首(京绣、鲁绣、汴绣、瓯绣)。
始建于隋开皇十六年（公元596年）的古易州，迄今已有1400余年历史，境内山川俊秀、人杰地灵、星罗其布着燕下都遗址、招贤黄金台、紫荆关长城，清皇家陵园更有历代皇家专宠的“京绣”，为易州大地一颗璀璨的明珠，京绣纯手工绣制，历代相传发展至今籍千年历史低蕴，推出京绣之精品系列。该系列“集天地之灵气，汇日月之精华，在原手工制作的基础上，工艺更臻精湛，流程更趋复杂，融历史与现代与一体，具有很高的欣赏和收藏价值。京绣的最大特点是绣线配色鲜艳，其色彩与瓷器中的粉彩、珐琅色相近. 京绣以雅洁、精细、图案秀丽、针法灵活、绣工精巧、形象逼真为主要特征。京绣的用料非常考究，其选料精当贵重，豪华富丽，不惜工本。京绣以在丝绸上织绣为其独到之处。代表性的京绣作品中，一针一线都渗透出帝王亲贵的倾天权势。
传承意义
作为一种濒临失传的传统宫廷手工艺，"京绣"面临着保护和发展的必要性和紧迫性。京绣这种传统手工技艺承载着民族的文化遗产，凝聚着华夏儿女的智慧，现故宫博物院保存了一批在制作上不惜工本，极力追求珍贵奢华的刺绣精品。由于丝质文物本身所具有的娇弱特性，展出受温度、湿度、光照、粉尘等环境的制约很大，特别是紫外线对丝质品损害较大，因此博物院对丝质绣品展览原物较少，尽量展览复制品，因此博物院在复原文物历史场景工作中，复制丝质品是一项很重要的任务。因为要达到原状水平，绝不是简单的临摹工艺。
京绣有三点极为突出：一、具有独特的地位，有些纹样在其他绣种中是不准许使用的，如龙袍上的十二章纹样和五爪金龙纹只有皇帝才能用（四爪为蟒，用错有篡位之嫌）。二、图案题材广泛：山水花鸟、龙凤图案、飞禽走兽、吉祥八宝等，在运用上更讲求寓意的吉祥，处处有着饶有趣味的“口彩”，所谓“图必有意，纹必吉祥”。三、宫廷艺术风格浓厚、装饰华丽、材料名贵，有的绣品关键部位缀玛瑙、翡翠等宝石。京绣主要用于京戏、古装、影视剧的剧装，特别是传统京剧服装80%有绣活。
技艺特色
京绣图案
"宫绣"严格遵循图必有意、纹必吉祥的宗旨。据记载，这一宗旨最早见于公元前21世纪的舜禹时代，也就是《尚书·虞书》所说的关于舜命禹制作典章服的故事，确立了天子服饰十二章，历代沿承直至清末。
这十二章是由十二种图案组成，每种图案以象征的手法表现着对理想的肯定，如日、月、星辰(胸临)、山(镇定)、龙(变化)、华虫(文彩)、虎尊与兽尊(忠孝)、水藻(洁净)、火(光明)、粉米(养民)等，都是对生活中各种事物的概括、寄托着设计者希冀抽象概念得以准确表现的愿望。
审美特点
由于宫廷艺术审美的标准和规范，在宫廷绣品中无论服饰纹样，还是佩物小品，都充分体现了构图满而不滞、造型端庄稳重、设色典雅、雍容高贵的皇家气派和尊严。所有意象物体在造型上绝无取巧、媚俗和率意的倾向，这一点和民间绣品所体现的文人意趣、商贾艳俗、乡土稚美的风格有本质的不同。
"京绣"以材质华贵而著称，一般选用最好的绸缎为面料，而绣线除了以蚕丝所制成的绒线外，还以黄金、白银锤箔，捻成金、银线大量使用于服饰绣品中。其手法先用金银线盘成花纹，然后用色线秀固在纺织平面上，这种用金银线绣出的龙、凤等图案又叫"盘金"，在中国绣品中独一无二，尽显皇族气派，充分体现了富贵精美的宫廷审美艺术。
京绣中最好为针工中的“平金打籽”绣。这种绣，是以真金捻线盘成图案，或结籽于其上，十分精致，华贵。京绣作为“燕京八绝”之一，曾和现“四大名绣”中的“苏、湘、顾”并称为“四大绣”，可见其当时的辉煌。现人们只知“苏、粤、湘、蜀”而不知有“京”。
京绣飘带
这种象征的手法与选题均代表了古代刺绣纹样的创作思想，而"宫廷绣"则始终在贯彻这项原则，历代传承并不断完善。从刺绣工艺的角度反映帝王、统治者的意愿，全部用象征性的表达方法，将祈福纳祥、驱恶避邪的观念通过谐音、会意、借代、比喻等方法，含蓄地以图案形式和技艺高超的针法体现的槽美的刺绣纹样，充分反映了吉祥图案在传统艺术品中的重要性。
"宫廷绣"图案的寓意不仅是祈福纳祥，同时也是穿用者身份、社会地位的标识。特别是在清代，《大清会典》对帝、后、皇子、贝勒、大臣穿着使用的服装图案纹样、用色都有明确具体的规范。
"五爪金龙"是皇室专用，其他大臣在服装、饰品上则不可使用，只可穿着四爪龙形的吉服、蟒袍，其他辅助纹样与龙袍相比也简化逊色多了。而文武官员们的品级要以补服上胸前、后背两片刺绣图案来区分。王爷、贝勒为圆补，文武官员为方补。文官的图案是各种飞禽，代表文采，武官以图案为不同的走兽，象征威猛、强悍。
制作工艺
相传，留传于世的绣中珍品大部分出自男工巧匠之手，这正是"宫廷绣"与"闺阁绣"的明显区别。作为"宫廷绣"，它的制作目的是为宫廷贵爵服务、生产御用制品，而"闺阁绣"则是个人生活日用品，它们工艺制作的要求和标准截然不同。
除了在图案内容、色彩上有严格的规范外，"宫廷绣"对于绣品的标准在针法的分布上也有一些固定的程式和工艺要求，绝不允许存在民间绣品的随意性和自如表现个性的主观创作意识。
其针法极为考究，对不同的图案都有较严格的规范，如在犬袍纹饰图案中，龙眼、鳞片、毛发或以彩线强化装饰所安排的部位、五彩祥云、海的针法等，都有严格的规范和标准，绣工的智慧、技能必须在这一范围内予以体现。当我们鉴赏那些珍贵的清代宫廷绣品时，可以明显看出，虽然年代不同、图形设计略有变化，但典制章法总体是不变的，而且从每一件绣品中都可体验到宫绣艺人高超的技艺和艺术修养。
然而，在如此严谨的规范中，后代也能明显看到个人绣艺风格的不同。绣师的针法遒劲有力、排列整洁、针针到位、厘毫不苟，与画师配合默契，从而达到绣艺最高境界。绣艺的最高境界，绝不是仅靠技法与经验去完成，也不仅仅是常人所说的用线越细、套色越多，就是好绣品。而正如庄子《养生主》所述庖丁，"以心神的运用"来操刀，艺术是相通的，中国书法和绘画中大写意的用笔所强调的笔墨神韵、乐曲演奏中的感觉均同此理，这种意念是无法用语言来形容的。
京绣传人
作为京绣世家姚氏的第四代传人 ，这门流传了200多年的手艺，和景泰蓝、牙雕一起，并列“燕京八绝”。姚富瑛见识过这门手艺的辉煌，身为清朝绣花局技工的后人，他从小和父母离散，被京绣大师鲍淑兰养大，学了一手好针绣。
姚富瑛熟悉这门宫廷手艺的每一个传统。 要用什么样的绸缎，绒线和金丝该怎么搭配，甚至每种颜色有什么讲究。“黑为玄，黄为权，红为喜，蓝为贵”，在病榻上，他仍不住念叨。
有时候，姚富瑛会摘下老花镜，盯着手里的纹样发一会儿呆。他总在想，那件龙袍只绣了一半，可能要绣不完了。
因为身体原因，他已经有3个月没去工作室。那个不到20平方米的小房间，位于“京城百工坊”博物馆的一层。穿过幽长的走廊，拨开廊下的鸟笼，便能看到小屋子里挂满了各色绣品。有的是旗袍，有的是中式敞衣，更多的则是饰品小物。
早年，姚富瑛曾断断续续带过11个徒弟。这位老艺人授课严谨，每天都在念叨“图必有意，纹必吉祥”这些老规矩。他要求自己的徒弟们，从针线、构图、造型、设色，一丝不苟。不过，这些徒弟早都离他而去，有的去卖保险，有的去推销保健品，还有的则成了房产经纪人。只剩下姚富瑛一个人，现世道变了，京绣濒临失传。
发展创新
原来京绣专门为宫廷服务，有些图案已经不适应如今人们的审美需求，比如龙袍和大臣的补服，除了用做收藏，没有谁再会去穿。但经过老艺人们的改造，在一些现代衣服上，京绣这门古老的技艺得以再生，如一件红色唐装，可在敞衣上用金线绣上"寿"字等纹样。"寿"字在中心，两侧还可绣上万富寿喜，它代表了一种中国的高贵文化并希冀所有福寿的东西都集于一身。"
同时，京绣工作坊也产出了一些与刺绣无太大关系的产品，比如小老虎鞋、小靠垫等。工艺师解释说："因为这个很受市场的喜欢，很多朋友来了之后不光要看京绣。虽然是小的东西，也有一部分收入吧,主要是为了适应市场。"随着"北京非物质文化遗产资源"普查工作的展开，京绣将逐步得到政府的关注和重视，人们希冀这一具有皇家气派的传统手工艺品将在继承中谋求发展。
19世纪，随着刺绣商品的活跃，出现了许多独具地方特色的地方绣，除了我们所熟知的四大名绣之外，还有比较有名的北方地区的京绣。京绣以北方地区民间绣为基础，深受宫廷绣艺术风格的影响，而形成自己独特的风格。花纹写实，多以工笔绘画为稿本。题材有花果、庭院小景、戏剧人物等。常用各色无捻掰绒丝（由一根丝掰成数根细丝），运用缠针、铺针、接针等针法，用变换色块的方法表现物体的阴阳面。绒面匀薄，针脚起落自然；花纹光亮平贴，配色鲜艳，与瓷器中的粉彩、珐琅彩的配色格调相近。京绣中的洒线绣、满绣、补花、平金、堆绫、穿珠绣久负盛名。